RAÍCES Y MÁS: EL VIAJE DE LOS ESPÍRITUS Afrika Museum, Berg en Dal, Holanda Abril 7 - Noviembre 7, 2009 Raíces y más: Viaje de los espíritus Abril - Noviembre, 2009 Sede: Afrika Museum Postweg 6, 6571 CS Berg en Dal, Holanda Curador: Wouter Welling La exposición Raíces y más: Viaje de los espíritus está agendada para el 2009 y con mucha seguridad, será transferida al Miami Art Museum en Florida al final de 2009. es una exhibición temática sobre la espiritualidad en el trabajo de artistas contemporáneos de la diáspora africana (específicamente de Brasil, Britania, Cuba, Curaçao, Haití, Surinam, y los Estados Unidos): diferentes países y diferentes generaciones. El arte es espectacular: botes suspendidos con seres espirituales luminosos, esculturas cantoras, un ser espiritual que chilla y gruñe mientras rema un enorme bote, las macabras esculturas de la misteriosa sociedad Bizango de Haití, espíritus en botellas, pinturas con signos mágicos y extrañas apariciones. En muchos casos los artistas son sacerdotes, famosos en sus tierras natales, pero a menudo desconocidos en Europa. Por toda su variedad, ellos despliegan una similaridad particularmente impactante: todos tienen sus raíces en el mundo espiritual que es completamente africano. Algunos son descendientes remotos de esclavos que fueron llevados al Caribe y América. Los esclavos tomaron sus tradiciones religiosas con ellos - religiones originadas en varias regiones de África Oeste y Central (Benin, Nigeria, Congo, Angola). En las partes del mundo donde fueron llevados a trabajar, sus espíritus ancestrales y los espíritus de fuerzas naturales se convirtieron en aliados, en diversas maneras, con la religión cristiana dominante - una amalgamación forzada, ya que a los esclavos no les era permitido continuar sus propias tradiciones. Debían mostrarse espiritualmente flexibles. Los africanos y sus descendientes reconocieron rasgos de sus propios seres espirituales en los Santos católicos y así fueron capaces de apropiarse de los santos e incorporarlos a su propio panteón. Nuevas religiones surgieron, como el Candomblé y Umbanda en Brazil, Winti en Surinam, Santería, Abakuá y Palo en Cuba, Voodoo en Haití y derivaciones de esta como el Hoodoo en Estados Unidos, y Obeah en lugares incluyendo Jamaica y Trinidad (aunque estas últimas son en realidad formas de "artes curativas" tradicionales más que religiones). A su vez, surgieron otras denominaciones en torno a ellas. Este mundo espiritual altamente complejo, con sus propios rituales, canciones, música, símbolos e imágenes, es una fuente inagotable de inspiración para artistas. Existen temas constantemente recurrentes: el viaje de los espíritus (botes), la relación entre el mundo de los humanos y el mundo de los seres espirituales y la muerte (el dominio, en voodoo, de Baron Samedi) personas que tiene relaciones con ambos, el mundo de los muertos y el de los espíritus. Más de veinte artistas han sido seleccionados para Raíces y más: Viaje de los espíritus. Entre otros están Belkis Ayón, Barra, José Bedia, Société Secrète Bizango (a group), María Magdalena Campos-Pons, Mestre Didi, Sokari Douglas Camp, Edouard Duval-Carrié, Félix Farfan, Adenor Gondim, Stivenson Magloire, Pascale Monnin, Santiago Rodríguez Olazábal, Gerald Pinedo, Edival Ramosa, Alison Saar, Eneida Sanches, Renée Stout, Patrick Vilaire and Frantz Augustin Zéphirin. Sus trabajos proveen una oportunidad de establecer enlaces con arte tradicional africano proveniente de la colección del Afrika Museum. Sin embargo, a diferencia de lo que ocurre con los objetos funcionales (es decir, objetos que han "funcionado" en un entorno religioso), estos artistas contemporáneos han interpretado claramente las cosas a su manera. Raíces y más: Viaje de los espíritus es la primera de exposición de su tipo en Holanda y Europa. Nunca antes hubo una exposición con un tema enfocado en la riqueza espiritual que África ha ofrecido y continúa ofreciendo al mundo. Marca una encrucijada mágica donde sacrificios son hechos a Eleggua/Eshu/Lucero, en el umbral entre dos mundos, donde todo -humanos, espíritus, animales y cosas- se juntan. Un catálogo bilingüe ricamente ilustrado con una introducción a varias religiones de la diáspora africana y descripciones de los artistas participantes será publicado para marcar esta exposición. © Afrika Museum, Berg en Dal, The Netherlands/January 2008. Artistas participantes: Belkis Ayón, Barra, José Bedia, Société Secrète Bizango (a group), María Magdalena Campos-Pons, Mestre Didi, Sokari Douglas Camp, Edouard Duval-Carrié, Félix Farfan, Adenor Gondim, Stivenson Magloire, Pascale Monnin, Santiago Rodríguez Olazábal, Gerald Pinedo, Edival Ramosa, Alison Saar, Eneida Sanches, Renée Stout, Patrick Vilaire and Frantz Augustin Zéphirin.

NKAME: UNA RETROSPECTIVA DE LA GRABADORA CUBANA BELKIS AYÓN (1967-1999) EN EL MUSEO DEL BARRIO, NEW YORK. Mayo 26, 2017 Yadira Leyva Ayón © Belkis Ayón Estate En el Museo del Barrio de New York quedará inaugurada el próximo 13 de Junio la exposición Nkame: Una Retrospectiva de la grabadora cubana Belkis Ayón. Esta será la segunda sede en acoger la primera exhibición personal de la artista en una institución de Estados Unidos. La exhibición reúne 48 obras, un documental de la realizadora estadounidense Sun Meidia y una entrevista a Belkis Ayón realizada por la periodista Ines Anselmi en 1993, visualizada con imágenes de la artista y su obra. La muestra, organizada por el Estate de Belkis Ayón y el Museo del Barrio, cuenta con la curaduría de Cristina Vives. Estará abierta al público hasta el 5 de Noviembre de 2017. NOTICIA ANTERIOR SIGUIENTE NOTICIA

Belkis Ayón. Preámbulo para un viaje infinito hacia la tierra. Norberto Marrero 1 de diciembre de 1999 ©Extramuros, 1, diciembre, 1999, pp. 25-26 Para nosotros, hastiados del tumulto y las malas noches, llegar a Alamar (tierra de promisión) significaba, entre otras cosas, el poder constatar que aún existía un lugar pleno, desprovisto de odios y traiciones; un castillo donde podíamos ejercernos en la mayor y más nítida tranquilidad espiritual. Entonces aparecía Belkis con sus ojos descomunales de diosa egipcia, nos hacía entrar, y ya nadie osaba desprenderse de su espíritu, y nos quedábamos colgando cómodamente de su sonrisa, de su contagioso optimismo. Veo a Belkis como a esa mujer misteriosamente invulnerable, lista a ofrecernos el mejor espaguetis de La Habana y la más clara cerveza, capaz de saciar el apetito, la sed y el cansancio del viajero más exigente; la veo allí con su cara amable y entusiasta, entregándonos a cada uno todo un torrente de cariño y vitalidad. Cuando la conocí en San Alejandro, era yo apenas un estudiante más del curso nocturno con un ávido interés por el grabado. Ella era ya la artista que todos admiraban, profesora de dos grupos de alumnos del curso diurno, bastante numerosos. Con persistencia un tanto desmedida, en que me escabullía silencioso entre sus discípulos y esperaba pacientemente cada momento de respiro para preguntarle cualquier inquietud técnica o conceptual, a lo que ella respondía sin el menor reparo, sin el menor recelo. Al finalizar mis cuatro años de estudios nos habíamos convertido en muy buenos amigos, y por cosas del azar, casi siempre imprevisible, ella terminó siendo la oponente de mi tesis. La recuerdo como a una de esas profesoras imprescindibles, preocupadísima por sus alumnos de San Alejandro, a los que les entregó todo su conocimiento sobre el grabado, incluso materiales costosísimos que lograba comprar en sus viajes, u otros que le donaban amigos extranjeros; catálogos y todo tipo de información que lograba recopilar. Durante mucho tiempo la Cátedra de Grabado de San Alejandro sobrevivió gracias a su denodado interés. Era la amiga insustituible, y no dejo de pensar en sus ojos, con sus palabras siempre alentadoras. Para la cultura cubana quedará una obra impecable, desbordante de perfección y constancia, de elegancia exquisita. Un camino abierto por alguien que dedicó gran parte de sus días a promocionar el grabado cubano de manera especial, con una seriedad y profesionalidad incuestionables. Para la cultura cubana es la pérdida grosera e inútil de una artista que con sus escasos treinta y dos años logró escalar los niveles más elevados de la cultura nacional e internacional en las artes plásticas, con una obra asombrosamente madura, de gran originalidad y profundidad espiritual. Para los que la quisimos, para los que estuvimos a su lado, quedará algo más íntimo, más imperecedero. Nos quedará su bondad, su manera desinteresada de entregarse, su preocupación por todo aquello que significara el bienestar de su familia y de sus amigos, que era lo mismo; su afán por conseguir siempre un futuro justo y feliz para los artistas y amigos. Recuerdo ahora cuando recibió uno de los premios de la Bienal de Grabado de Puerto Rico, uno de los eventos de la gráfica más importante del continente. Para ella fue una sorpresa moderadamente feliz; podría asegurar que la recibió con cierta dosis de pudor. Sin embargo, recuerdo muy bien su desmesurada alegría y orgullo cuando Abel (1) visitó La Huella Múltiple, y junto a ella recorrió cada uno de los salones expositivos, que había apreciado en su excepcional calidad. Yo miraba sus ojos y podía percibir un sinfín de pensamientos maravillosos, planes para el grabado, oportunidades nunca antes latentes como hasta ese momento, y recordábamos entonces todas las dificultades para realizar el evento, las madrugadas de trabajo en la UNEAC armando los catálogos, el dinero que no era suficiente y que gran parte de él vino de su bolsillo; lo difícil del montaje de muchas de las piezas, el cansancio, el sueño, y aunque siempre tuvimos la convicción de que La Huella… nos costaría mucho, ahora, mientras conversábamos de Abel y todo eso, sabíamos muy adentro de nosotros que el esfuerzo no había sido en vano. Su labor como vicepresidenta de Artes Plásticas de la UNEAC, para muchos de los artistas del grabado que la conocimos, fue un sueño salvador; había alguien que le daba al grabado su verdadera importancia, una técnica tan laboriosa y de tanta tradición en la cultura cubana. Belkis no sólo era una artista responsabilísima, sino que, además, era absolutamente asequible para cualquier artista, no sólo para los más importantes, sino también, y a estos prestaba especial atención, para aquellos menos conocidos, menos “privilegiados”. Tenía una especial capacidad aglutinadora, gracias a la cual realizaba cualquier evento, contando no sólo con los grabadores, sino también con los escultores, los fotógrafos… A todo esto se entregó con absoluta devoción, dejando a un lado, incluso, su propio trabajo de creación. Hoy, mientras realizo el mismo viaje que tantas veces hice, pienso en el tiempo que nos dejara Eliseo (2), y no concibo incluir a Belkis en ese tiempo inmaterial, insustancial; trato de comprender sus esencias, sus latitudes, y no logro encausar su cuerpo y su espíritu por esos laberintos. Para algunos es el fin tácito e irreversible. Para otros es uno de sus tantos viajes, de los que inexplicablemente a veces regresaba muy deprimida, aún habiéndole ido muy bien profesionalmente. Para mí no es ni lo uno ni lo otro. Todavía sé que estará allí, en su castillo (ya nuestro), en espera del primer viajero, sediento, extendiendo los brazos. Sé que esto es absolutamente cierto y no quiero dejarme engañar. Compartimos demasiadas alegrías, demasiadas tristezas, demasiadas verdades, y aunque para todos esto signifique una pérdida egoísta y terriblemente devastadora, trataremos de estar tranquilos. Yo me pregunto por las cosas que no nos dijimos, por lo oscuro que nadie percibió, por las cosas que no entendimos, y entonces pienso: De qué otra forma vería el suicidio, sino como antesala de un ferviente banquete, y decirnos entre sí porque valdría bien poco despojarnos de nuestra sardónica hechicería como si todas nuestras angustias terminaran allí, donde el agua corre transparente y la sal brilla cual oro vomitado por una cabra. De que otra forma veríamos el vacío. Uno y Otro son objetos voraces que nuestra agotada juventud posee, reliquia de un conocimiento que se gasta tan inevitable como nuestros hijos. El amor acompaña a los cuerpos cuando mueren. Una fina línea divide las piedras y el deseo. Paciencia. Ante el tejo, paciencia. Después de los postres, una lenta e infinita paciencia. Entonces llego ante la puerta de ese maravilloso castillo. Cuando se abre la puerta ella aparece, dice “hola”, y sus ojos descomunales me halan, aprehendiéndome ya por toda la eternidad. (1)- Abel Prieto, Ministro de Cultura de la República de Cuba. (N. del editor) (2)- Se refiere al poeta cubano Eliseo Diego y su poema “Testamento”, en donde lega a las generaciones futuras “el tiempo, todo el tiempo”. (N. del editor) artículo ANTERIOR artículo SIGUIENTE

TEXTOS CRÍTICA ENTREVISTAS REVELACIONES

Recordando a Belkis Ayón, en X aniversario de su desaparición física Isbel Alba 4 de febrero de 2015 Una fecha para no olvidar En el imaginario colectivo el 11 de septiembre ha pasado a ser una fecha de pérdida y dolor tras los ataques terroristas perpetrados contra las torres gemelas, en New York, en 2001. Sin embargo, aunque acompañe en sus sentimientos a las miles de personas para las que ese día representa un antes y un después aciago, el motivo de estas letras es otro. Hoy, voy subrayar otra partida, quizás más íntima por ser nuestra, quizás más cuestionable por haber sido provocada por propio designio dejándonos incógnitas y la terrible sensación que acompaña ciertos gestos incomprendidos, amargos. Se trata de la artista cubana Belkis Ayón Manso (1967-1999), quien un día como hoy, hace diez años, segara su propia vida. Belkis Ayón fue una mujer excepcional, poseedora de una energía y un talento que no conocía derroteros. Junto a los artistas Sandra Ramos y Abel Barroso logró poner en marcha La Huella múltiple (1996), un proyecto que cambiaría para siempre la apreciación del grabado cubano, una disciplina artística que tras conocer su esplendor en el siglo XIX gracias al auge del comercio del azúcar y el tabaco, había caído prácticamente en el olvido en el panorama del arte cubano después de la eclosión del modernismo en Cuba. A propósito de la obra y el legado de Belkis Ayón En algunas conferencias y comunicaciones anteriores que he presentado sobre la obra de Ayón no he dudado en calificar sus grabados de palimpsestos[3]. Gracias a la técnica de la colografía la artista superponía capas de diferentes texturas hasta crear relieves que representaban, mediante una iconografía de sello muy personal inspirada en manifestaciones del patrimonio inmaterial de los Abakuá[4], las diferentes partes del ritual iniciático de esta religión o los personajes de su mito fundacional. A mi modo de ver, se trata de una reescritura que ya había asimilado la tradición oral gracias al acercamiento intelectual de corte histórico y antropológico que permiten libros como El Monte y La sociedad secreta Abakuá, de Lydia Cabrera, “La tragedia” de los ñáñigos, de Fernando Ortiz o Los ñáñigos, de Enrique Sosa. A partir de la interpretación de esas obras que reproducen mediante la escritura una tradición de oralidad, Ayón creó su propio imaginario gráfico. Un mundo que es plasmado de manera finísima en las imágenes de sus grabados. Aunque el tema de la representación de la herencia afrocubana en nuestra plástica es una constante desde la época de la colonia, su obra puede considerarse una rareza desde múltiples puntos de vista. Como antes señalé, Belkis Ayón rescató el grabado en medio del Período especial. Esta disciplina le permitía, entre otras cosas, producir más con menos y hacer gala de un minimalismo cromático rayano en la exquisitez. En la última etapa de su vida, Belkis Ayón combinaba su labor de artista con la docencia en el Instituto superior de arte (ISA) y con su puesto de vicepresidenta en el seno de la Unión de escritores y artistas de Cuba (UNEAC). Siempre que le fue posible se encargó de difundir el trabajo de sus alumnos y colegas. De este modo, se convirtió en una activa promotora de la cultura cubana a escala nacional e internacional. Sin embargo, los elementos que la hicieron merecedora del reconocimiento de su obra, más allá de los círculos intelectuales cubanos, son el tema Abakuá alrededor del cual se articula su poética y la fineza de la ejecución en sus colografías y grabados en general. Según Alex Rosenberg, prestigioso especialista en arte gráfico internacional y coleccionista de renombre, el resultado alcanzado por esta artista con la técnica de la colografía no tiene su igual en el mundo del arte hasta la fecha[5]. Esto hace que su pérdida adquiera otra dimensión. Así pues, podemos aseverar que a Belkis Ayón corresponde el mérito de haber llevado la cultura Abakuá a su más alta forma de reconocimiento en el mundo de las artes visuales al introducirla en los recintos museales. No deja de resultar paradójico que gracias a una mujer esta cultura sectaria y secular alcanzase su universalización en los más exigentes círculos del arte internacional a finales del siglo XX. Actualmente, la obra de Belkis Ayón forma parte de catorce colecciones de museos y centros culturales entre los que se encuentran el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, el Van Reekum Museum, Apeldoor, Hollande, The Museum of Moderm Art (MoMA), New York, el Museo de Fort Lauderdale, USA, el Museo de Arte Latinoamericano de California, USA, Ludwing Forum Fur Internationale Kunst, Aachen, Alemania, the State Russian Museum, Saint Petersburg, entre otros. Su obra también engrosa numerosas colecciones privadas en diferentes países. Nadie ha logrado explicar las razones de tan abrupta muerte en un momento en que su carrera se encontraba en pleno crecimiento y contaba con la aceptación de críticos y otros profesionales del medio. Su desaparición física dejó un vacío en el mundo del arte cubano. Muchos de sus colegas coinciden en señalar que rara vez la calidad humana y la artística se han combinado de forma tan especial en una misma persona. Quizás sea ese abandono el único reproche que se le pueda señalar a esta artista. No obstante, en su gesto subyace cierta coherencia con el mito que la fascinó. Esto nos permite trazar un paralelo con la filosofía de los poetas románticos u otras artistas suicidas. De esta forma, la figura de la artista Belkis Ayón se fusiona con el mito de Sikán creando un círculo de significados con cierto halo de misterio, cosa que ofrece mucho material de investigación a historiadores y antropólogos. El Estate Belkis Ayón Después de su muerte, su legado pasó a ser protegido por el Estate Belkis Ayón, institución que dirige su hermana, la Dra. Katia Ayón y que recibe la asesoría de prestigiosos especialistas del arte cubano. Esta institución, en la que coexisten de forma curiosa el patrimonio familiar y la herencia cultural de la nación, desarrolla un modelo de gestión que constituye una rareza en el contexto socioeconómico actual de la isla[6]. De este modo, gracias a la autogestión desde hace diez años la Dra. Ayón ha venido realizando un magnifico trabajo que incluye la conservación material de la obra de Belkis Ayón y la difusión de su legado gracias a la organización de exposiciones, publicaciones y otras actividades de carácter cultural. Según una invitación que recibí recientemente, el Estate Belkis Ayón ha programado Nkame, primera exposición antológica de la artista con motivo del X aniversario de su fallecimiento. La muestra quedó inaugurada oficialmente el pasado viernes 11 de septiembre, a las 6:00 pm, en el Convento de San Francisco de Asís, en el Centro Histórico La Habana Vieja. Su programa señala que la exhibición incluye unas 83 obras ejecutadas en las técnicas de la colografía, litografía y calcografía realizadas desde 1984 hasta 1999. Además, se presentan otros documentos gráficos de eventos donde participara Belkis, como textos y fotografías de la artista impresos en gigantografías sobre lona. Organizada por la Dra. Katia Ayón y con curaduría de Cristina Vives, la exposición Nkame permanecerá abierta al público hasta el 28 de noviembre. Durante estos dos meses, como parte del programa cultural que acompaña la muestra, en las salas del Convento se organizarán conferencias sobre la obra de Belkis Ayón, el lanzamiento de la revista La Gaceta de Cuba y la presentación de proyectos de seis jóvenes grabadores, algunos de ellos antiguos alumnos de la artista. Nkame es un merecido homenaje a la obra de Belkis Ayón, un exponente mayor del grabado en la historia del arte cubano. [1] Este pez era la encarnación de Abasi, deidad suprema de los Abakuá. Ver SOSA RODRIGUEZ, Enrique, Los ñáñigos, Premio Casa de las Américas 1982, Ediciones Casa de las Américas, La Habana, 1982. [2] El sacrificio de Sikán, que aparecerá reflejada en sus obras como un leitmotiv, es lo que dará origen a la tradición Abakuá en antiguas etnias de Nigeria (pueblos Efik y Efor). Sin dudas, se trata de un mito fundacional que luego, como señala Ortiz, durante la época de la esclavitud – transculturación mediante-, dio origen al surgimiento de la fraternidad Abakuá en Cuba en los pueblos de La Haban y Matanzas (1830). Ver : ORTIZ, Fernando, La “tragedia” de los ñáñigos, Poligraf, Ciudad Habana, 1993. [3] ALBA DUARTE, Isbel (2009) El mito de Sikán en la cultura cubana: patrimonio inmaterial y material en la obra de Belkis Ayón. Reflexiones acerca de las estrategias de conservación y los métodos de recuperación de su legado. Conferencia presentada en el marco del XXVIII Congreso internacional de la Asociación de Estudios Latinoamericanos, Río de Janeiro, Brasil, 13 de junio de 2009. [4] Un ejemplo de esas manifestaciones del patrimonio inmaterial son los personajes de las paradas, como los diablitos o Iremes así como las firmas o anaforumas que cubren los cuerpos de los practicantes, los animales que serán sacrificados y los instrumentos musicales que intervienen en las diferentes partes del ritual de iniciación de esta hermandad (Nota de la autora). [5] In ROSEMBERG, Alex y Carol, Belkis Ayón en la memoria, 2005 REGRESO A CRÍTICAS artículo siguiente

AL CALOR DEL PENSAMIENTO. OBRAS DE LA DAROS LATINOAMÉRICA COLLECTION Sala de Arte Ciudad Grupo Santander, Madrid, España Febrero 3 - Abril 30, 2010 Director Daros Latinamerica Collection: Hans Michael Herzog La Colección Daros, una de las más importantes de arte contemporáneo iberoamericano a nivel mundial llega a España en un montaje inédito, 70 obras y 22 artistas presentan el arte iberoamericano actual desde lo estético, conceptual y alegórico. La muestra propone una interacción permanente entre la obra y el público en un verdadero desafío para los sentidos. “Al calor del pensamiento. Obras de la Daros Latinamerica Collection”, es el título de la exposición que, del 3 de febrero al 30 de abril de 2010, organiza la Fundación Banco Santander en la Sala de Arte de la Ciudad Grupo Santander. El Director de la Fundación Banco Santander, Borja Baselga y el Director de la Daros Latinamerica Collection, Hans Michael Herzog, acompañados de varios artistas participantes en la muestra como Julio Le Parc, Humberto Vélez, Oswaldo Macia Gómez o Los Carpinteros inauguraron la muestra junto a la Comisaria, Katrin Steffen. “No es una exposición más”, afirmó Borja Baselga, director de la Fundación Banco Santander en la rueda de prensa, “cada una de las piezas tiene un trasfondo intelectual, social, una manera distinta de aproximarse a la realidad, a lo imaginario, a las situaciones límites de nuestra sociedad”. Son veintidós artistas y setenta creaciones que no sólo conforman una selección de lo más destacado de la Colección Daros Latinamerica –la más importante de Europa en arte contemporáneo iberoamericano- sino que refleja también su esencia en un espectacular montaje que dialoga continuamente con el público a través de todas y cada una de sus propuestas desde lo conceptual a lo estético y alegórico, como nos propone Liliana Porter para que nos convirtamos en transformadores de su obra arrancándola y tirándola al suelo constituyendo formas caprichosas. Destacar también por primera vez dentro de la Colección Daros la exposición de la obra de José Damasceno, El presagio siguiente, Leandro Erlich, Las puertas, varios grabados de Liliana Porter y los dibujos de perfomances de Marta Minujín. Es éste un recorrido por los maestros clásicos del arte contemporáneo del continente iberoamericano desde México hasta Argentina pasando por Brasil en un espacio de tres mil metros cuadrados. Autores de prestigio no sólo estético sino de simbolismo y compromiso, como Carlos Amorales, Belkis Ayón, Los Carpinterios, José Damasceno, Gonzalo Díaz, Leandro Erlich, León Ferrari, Rafael Lozano-Hemmer, Jorge Macchi, Oswaldo Macia Gómez, Marco Maggi, Cildo Meireles, Marta Minujín, Vik Muniz, Óscar Muñoz, Julio Le Parc, Liliana Porter, José Alejandro Restrepo, Miguel Ángel Rojas, Betsabé Romero, Doris Salcedo y Humberto Vélez. Un repaso al extenso abanico de propuestas que abarca el arte contemporáneo iberoamericano actual –artes visual y auditivo, realidad virtual, simbolismo social, modos de cognición y percepción- desde los más veteranos autores presentes, León Ferrari (1920) y Julio Le Parc (1928) hasta los más jóvenes como Leandro Erlich (1973), Los Carpinteros (1971) o Carlos Amorales (1970). El título de la muestra, Al calor del pensamiento, procede de una fascinante obra del chileno Gonzalo Díaz inspirada en el poeta alemán del XVIII, Novalis, concretamente en las palabras con que inicia su colección de fragmentos conocidos como Blütenstaub (Granos de polen): «Buscamos por doquier lo incondicionado y encontramos sólo cosas». La cita está escrita mediante resistencias eléctricas colocadas sobre baldosas de cerámica y se va calentando a intervalos regulares hasta ponerse al rojo vivo. Ésta interacción continua es lo que hace a esta muestra y su montaje, única. UN RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN Ayate Car, de la mexicana Betsabé Romero, en parte happening y en parte instalación es un coche modelo Ford Victoria decorado y tapizado su interior de rosas secas que dialoga en el primer plano de la Sala con el majestuoso tapiz de Bruselas, La exaltación de las Artes, tejido a finales del reinado de Felipe IV en el obrador de Jan Leyniers y perteneciente a la Colección Santander. Ayate Car desarrolla esa vertiente comprometida del arte iberoamericano, al enviar la artista este coche de los años cincuenta de Ciudad de México a Tijuana provocando la entrada ilegal del vehículo en Estados Unidos una deportación inmediata, quedando el coche en «tierra de nadie» de la frontera como un símbolo contra el maltrato a inmigración ilegal mexicana. Julio Le Parc, una de las voces clásicas del arte iberoamericano, se inspiró en fuentes ajenas al sistema del arte, utilizando como materiales el movimiento y la luz artificial en sus Lumières alternées, una pulsación rítmica de luces y sombras con miras a transformar la arquitectura en un campo de fuerza móvil. Sus experimentos fotocinéticos permiten analizar el proceso visual. Leandro Erlich, uno de los autores argentinos más jóvenes de la muestra, investiga las ilusiones ópticas desde una nueva perspectiva utilizándolas como medio artístico. En su instalación Las puertas el público se enfrenta a una serie de puertas cerradas con llave, por cuyos resquicios y ojos de cerradura se filtra la luz a raudales. Uno no puede más que abrirlas. En Tensión superficial, el mexicano Rafael Lozano-Hemmer enfrenta al público con un ojo humano gigantesco que por medio de un sistema de seguimiento registra el movimiento que se produce a su alrededor, representando el intercambio íntimo entre la obra y quien la está contemplando. Los grabados de la argentina Liliana Porter ponen de manifiesto que la interacción entre el público, la obra y el artista constituyó el elemento fundamental de una estética surgida en la década de 1960, cuyo propósito consistía en desarrollar nuevas formas de arte más allá de las instituciones y categorías. A mediados de dicha década, Porter fundó el New York Graphic Workshop, iniciativa colectiva orientada a difundir las obras de arte en serie. El ejemplo más paradigmático de este concepto fue To Be Wrinkled and Thrown Away donde el propio título se encarga de facilitar las instrucciones de uso. De los diferentes ámbitos artísticos manejados en la exposición, otra argentina, Marta Minujín, presenta varios dibujos de sus actividades públicas más relevantes – conocida a escala internacional por sus performances y happenings-, con los que desde la década de 1960 ha estado cuestionando radicalmente la relación entre arte y público. Así, en 1983, por ejemplo, levantó en Buenos Aires, su ciudad natal, un modelo a escala del Partenón, mediante libros que habían sido censurados durante la dictadura argentina, cuyo dibujo se expone en esta muestra. León Ferrari, el artista más veterano del recorrido, se suele inspirar en motivos políticos y sus proyectos revelan otro aspecto de la urbanización desenfrenada y el caos resultante. La serie que se expone incluye arterias de tráfico, automóviles y figuras estereotipadas como visiones o caricaturas de la realidad y fue creada a principios de la década de 1980 Sao Paulo. El brasileño Cildo Meireles capta la relación simbiótica de la locura y la razón en una imagen enigmática y global montada con argollas y cadenas. WWW (World Map) de Vik Muniz —un mapamundi compuesto enteramente de piezas de ordenador caducas— quiere advertirnos en su obra que la red global se convierte en la mera suma de sus componentes no conectados, inservibles, buscando en última instancia nuevas definiciones del medio fotográfico. Los artistas cubanos que integran la cooperativa Los Carpinteros recurren a dibujos y objetos disparatados para esbozar un mundo privado como una paráfrasis del presente, salpicándolo de alusiones humorísticas y abundando en los comentarios sarcásticos sobre la vida cotidiana en Cuba, como su Sombrilla de madera y metal. Por su parte, la también cubana Belkis Ayón se inspira para la realización de sus grabados a modo de meditaciones artísticas en las leyendas de los abakuá, una sociedad secreta afrocubana destinada exclusivamente a los hombres. La transmisión radiofónica del propio espacio expositivo de una carrera de caballos ficticia, incita al panameño Humberto Vélez en La carrera (clásico VII Bienal de Panamá) a una crítica y parodia de los sistemas sociales competitivos. Para su audioinstalación, titulada Something Going On Above My Head, el colombiano Oswaldo Macia Gómez compuso una sinfonía a partir del canto de dos mil pájaros procedentes de cuatro continentes. Le interesa el desarrollo de un lenguaje universal como desafío a la percepción. La instalación en el suelo Hotbed, del uruguayo Marco Maggi, se asemeja a instrucciones para percibir la lentitud y el silencio, una especie de jardín zen con creaciones mínimas a partir de incisiones de precisión microscópica realizadas en papel níveo. La obra invita al espectador a descubrir un nuevo universo escultórico. Carlos Amorales ha estado trabajando en su propio lenguaje para expresar la codificación del habla y en la percepción intuitiva, ampliando continuamente el archivo digital de imágenes que se ha convertido en su fondo iconográfico. Los motivos de Liquid Archive —criaturas híbridas, máscaras, aviones, etc.— producen mundos paralelos surrealistas y amenazadores. En su O presságio seguinte (experiência sobre a visibilidade de uma substancia dinâmica), José Damasceno aborda las dimensiones mutables de un mundo en constante movimiento. La instalación otorga prioridad a la proximidad y el encuentro utilizando estímulos físicos (espacio, formas, materiales) para conducir a sus espectadores hasta el punto nodal de los hilos interpretativos. Otro colombiano, Oscar Muñoz, lleva a cabo un exhaustivo análisis de los procesos de percepción y nuestra capacidad de recordar con Aliento, donde al exhalar nuestra respiración sobre un cristal emerge el rostro de un desaparecido en Colombia. Asimismo, en la obra de José Alejandro Restrepo también se pone de manifiesto el papel de la muerte como contraparte de la vida y co-artífice. Jorge Macchi lucha contra el olvido disponiendo artículos de prensa sobre asesinatos en un frágil collage y haciendo hincapié en aquellas noticias que los lectores suelen olvidar tan pronto como pasan la página. Colocados horizontalmente, los artículos disfrutan por fin de espacio para narrar sus tragedias. La marginación y la hegemonía, así como los efectos de la guerra son las principales preocupaciones artísticas de Miguel Ángel Rojas y Doris Salcedo. Rojas presenta en fotografías en blanco y negro de gran formato a un soldado mutilado del ejército colombiano, cuya postura nos recuerda al famoso David de Miguel Ángel. Doris Salcedo transforma los procesos políticos y sociales en inquietantes esculturas — 6 de noviembre— que hablan del deseo y la pérdida, de la presencia y la ausencia, como este montaje espectacular de sillas y habitación. LA COLECCIÓN DAROS LATINAMERICA Más de 1.300 piezas y 100 artistas componen la Colección Daros Latinamerica, con sede europea en Zurich y sucursal americana en Río de Janeiro. La colección se instituyó en el año 2000 bajo la dirección de Hans Michael Herzog y en ella se integran la mayoría de artistas contemporáneos desde México a Tierra del Fuego que tienen o tendrán un impacto importante en el arte contemporáneo desde hace veinte años hasta ahora, aunque también están presentes piezas emblemáticas de los años sesenta y setenta y tanto iberoamericanos que residen en Europa como europeos que tienen su residencia definitiva en Iberoamérica. La obra más antigua de la Colección es un Torres García de 1938. Herzog afirma que “la colección es tan variada como la edad de los artistas, y lo que queremos es contribuir a una mejor comprensión del arte iberoamericano fuera de sus fronteras”, ya que lo que le fascinó es que en estos países “se piensa de manera más intensa”. Ruth Schmidheiny es la propietaria de esta Colección. Artistas participantes: Carlos Amorales, Belkis Ayón, Los Carpinteros, José Damasceno, Gonzalo Díaz, Leandro Erlich, León Ferrari, Rafael Lozano-Hemmer, Jorge Machi, Oswaldo Macia, Marco Maggi, Cildo Meireles, Marta Minujín, Vik Muniz, Oscar Muñoz, Julio Le Parc, Liliana Porter, José Alejandro Restrepo, Miguel Angel Rojas, Betsabeé Romero, Doris Salcedo, Hunberto Vélez.

DESASOSIEGO/ RESLESSNESS Couturier Gallery, Los Angeles, California, Estados Unidos. Marzo, 1998 Texto de catálogo: Belkis Ayón. Desasosiego/Restlessness. Cuando Darrel Couturier mandó a pedir por fax el título para esta exposición aun no lo tenía, ni siquiera lo había pensado, en honor a la verdad. Ese día tenía el gran compromiso de asistir a la inauguración de la primera exposición personal de dos de mis alumnos. Después de terminar mi labor de espectadora y de ángel de la guarda (profesora) me dirigí hacia la casa de mi amiga Cristina donde me encontraría con Rafa que llevaría la carta para Darrel con el título de la exposición. Cuando salí de esta otra no se me ocurría nada –entré en un estado de desesperación imperceptible a la vista – dando muestra nuevamente de mi personalidad moderada, menos para reírme y hacer colografías grandes. Pensé en las obras que ya tenía terminadas y me pregunté que sentimientos tengan en común, ya que el tema de manera general lo trabajo hace años – y un poco lo asocié a lo que he estado sintiendo en estos últimos meses un gran DESASOSIEGO algo que de manera casi inconsciente comenzó a aparecer mi obra. Como menciono anteriormente el tema que vengo trabajando hace años, desde que comencé a estudiar en el tercer año de la Academia de San Alejandro es uno de los componentes de la cultura cubana por la parte africana, los carabalíes y de ellos, la Sociedad Secreta Abakuá, integrada solamente por hombres, que surge en década del 30 del siglo XIX en Cuba. Pretendo ante todo dar mi visión, mi punto de vista como observadora presentándoles de una forma sintética el aspecto estético, plástico y poético que he descubierto en Abakuá relacionándolo con el cuestionamiento de la naturaleza del hombre, con vivencias personales, ese sentimiento que ha veces nos atrapa y no sabemos definirlo, con esas emociones fugaces, con lo espiritual incorporando simbologías de otras culturas que utilizo para expresar mis ideas con mayor riqueza y calidad. Trabajo con personajes como el hombre leopardo, identificando con él el poder, la composición, la agresión de la sociedad, macho que sacrifica a Sikán, mujer que descubre el secreto y muere en aras de que este pasara a los hombres y no desapareciera. El secreto consistía en una voz, VOZ SAGRADA, producida por un PEZ descubierto por ella al regresar del río, el pez era la reencarnación del Viejo Obón, Tanzé, de Abasí Dios Supremo. La transmisión de la voz sagrada finalmente fue asentada en el cuero de un chivo que vibra en el tambor sagrado de EKUE. Mis imágenes les llegan a través de la colografía técnica del grabado que consiste en una especie de collage impreso con una amplia variedad de materiales puestos y pegados sobre un soporte de cartón. Sikán mujer que prima en las obras presentadas porque ella como yo vivió y vive a través de mi en el desasosiego buscando insistentemente una salida. Belkis Ayón La Habana, Cuba, Enero 1998

En confidencia irregular David Mateo 4 de marzo de 1997 ©Revista LA GACETA DE CUBA, No 2, marzo/abril de 1997, año 35, pág. 50-51.v …Ni una sola palabra de anticipación o de impaciencia. Sabe que es ella el motivo fundamental de esta conversación y sin embargo espera pacientemente a que Segura termine de explicarme su proyecto escultórico. Tengo impresión de que la he visto muchas veces en esa misma actitud de deferencia, prodigándolo todo como sí todo fuera superior a ella. No sé inclusive si es por adhesión o remembranza por lo que he llegado a pensar que su serenidad nada tiene que ver con una cortesía de matrimonio, sino que aún la condescendencia sigue siendo su segunda virtud después de las colografías. “Parece que tu obra aspira a universalizarse, le digo, mientras me extiende un grupo de matrices sobre una mesa pequeña de su apartamento en Alamar. La primera de ellas representa una mujer pez, iniciándose en el mundo espiritual de una entre dos mujeres jicoteas; pero es tan conmovedora la atmósfera poética que adquiere la relación entre cada una de ellas que casi parece atenuarse la alegoría a la leyenda Abakuá y su iconografía particularmente litúrgica; algo similar ya había notado con la inclusión del Espíritu Santo en una de las obras premiadas en la Bienal Internacional de Maastrich. En alguna medida yo siempre he estado distante de la mitología Abakuá porque mi posición es más bien de observadora. La distancia es precisamente esa perspectiva en la que yo me ubico para establecer las analogías e incorporar cualquier experiencia universal en la lógica particular del mito. Te podría poner el ejemplo de la obra Arrepentida, que fue una de las premiadas en el reciente Encuentro de Grabado, en ella una mujer aparece desgarrándose la piel como símbolo de la ambivalencia entre lo que queremos ser y lo que somos realmente. Me parece que la temática Abakuá va a ser por un buen tiempo el punto de partida, el pretexto para las comparaciones con la vida. El universo que encierran sus personajes e incidentales narrativas se basta por si solo para prefigurar cualquier motivo de la existencia humana, equivalencia que he empezado a vislumbrar mucho más ahora con los estudios de relación que estoy llevando a cabo entre la mítica Abakuá y la religiosidad cristiana, con el propósito de crear algo así como una especie de santidad personal. -Pero no me irás a negar que- ese proceso de intervinculación entre las circunstancias específicas del mito y la cosmogonía social se produce a través, de una especulación meramente femenina? Recuerdas cuando te decía de que insertas un ideal femenino donde nunca lo hubo? Yo jamás he pensado que mi obra sea feminista. Nunca he tenido esa vocación incorporada. La primera persona que intentó llamar la atención sobre ese aspecto fue el crítico Eugenio Valdés, y hasta puede ser que tenga alguna razón que mi obra induzca cierta femineidad, porque ella refleja mi propia incertidumbre existencial; pero no la he conceptualizado de esa manera. La leyenda de la Sikán es un tema que he venido trabajando en mis grabados desde San Alejandro y lo que más me ha llamado la atención siempre es la condición de víctima del personaje femenino, pero desde una posición más bien genérica, sopesando las connotaciones y las analogías que pudieran derivarse de tal situación. ¿Y por qué entonces esa insistencia tuya en la autorrepresentación? Es cierto que soy la modelo de mis figuraciones. Ellas pasan conmigo de un estado a otro continuamente, y hasta bajan de peso a la par que yo. Son personajes que yo someto porque me agrada la idea de decidir sus destinos. Ellos son la única alternativa de desquite, o de corrección, aligerando un poco el término, con la que puedo contar en la realidad; sin embargo yo vivo una vida menos mítica, existo desde una perspectiva mucho más objetiva, mucho más objetiva. La imposición de los destinos debería alterar como consecuencia el sentido de la ficción Abakuá que aludes. ¿No temes ofender la leyenda? ¿Qué piensan de eso los creyentes con los que has hecho contacto? Los Abakuá que han valorado mi obra son en la mayoría intelectuales, y de una forma u otra se han identificado con el proyecto. Hasta el momento no he encontrado ningún detractor. El propio misterio de lo leyenda, lo encubierto que han estado algunos de sus significados en el devenir histórico es lo que me ha dado precisamente la oportunidad para hacer determinadas especulaciones, pero mi posición no ha sido nunca la de recriminar la cofradía, sino por el contrario lo de respetarla y promulgarla en su sentido cultural más amplio. En esta parte de la conversación ya hemos revisado unas seis o siete matrices, meticulosamente delineadas con material sintético, lija, carborundum, gesso y toda clase de productos infrecuentes en la tradición colográfica. Se me ocurre preguntarle a Belkis que podría suceder si todos esos singulares montajes que ya están listos para dar los efectos que ella ha ido previendo, hubieran sido dibujados o pintados en un lienzo, y es entonces cuando su franqueza deviene en estupor: Yo siempre he sido muy mala dibujante. Quizás porque nunca me exigieron Academia en los estudios de la Escuela Elemental fue que al final me decidí por el grabado. Sin darme cuenta se me fue creando una especie de trauma con el dibujo y la pintura y por eso comencé a buscar un tipo de imagen que fuera creíble pero que no hiciera hincapié en exquisiteces anatómicas. Luego descubrí que con esa síntesis de detalles protegía más el misterio de las imágenes, y que debía seguir haciendo énfasis en las poses, los gestos, y la mirada, tratando de evadir ciertas definiciones. Puede que algún día supere el trauma y comience a pintar, pero todavía no lo he pensado hacer. ¿Cuáles son a tu juicio los antecedentes inmediatos de toda esta forma de representación tuya? A mi me gustaban mucho los íconos bizantinos rusos. Me pasaba una buena cantidad de tiempo contemplándolos en los libros de arte, hasta que un día descubrí que eran perfectamente equiparables con toda la imaginería Abakuá. Recuerdo que era una época en la que investigaba los cultos afrocubanos y específicamente los anafouranas cuando me sucedió algo curioso: estaba en una clase en San Alejandro intentando hacer una especie de diablito danzante y Pablo Borges que era en aquel entonces mi profesor, me dijo con el ánimo de impresionarme, que lo que estaba haciendo me podría traer serias implicaciones, y fue a partir de ese momento que me interesé por este tipo de representación; aunque en aquellos días mi acercamiento al asunto era puramente esotérico. En las bibliotecas me negaban la información y basta tuve que pedir una carta de autorización en la Escuela. En lo que a la Leyenda de la Sikán se refiere, considero que fue trascendental la lectura que hice del libro “El monte” de Lidia Cabrera, aunque mi conciencia sobre el episodio fue total cuando estudié “Los Ñañigos” de Enrique Sosa. He estado a punto de comentarle a Belkis sobre dos categorías del crítico canadiense Northrop Frye: mito y compromiso, que, aunque no fueron emitidas específicamente para el campo de las Artes Plásticas, a través de ellas se podría intentar también una alegoría aproximada de su quehacer artístico. Pero sólo he estado a punto de hacerlo, porque al final me lo he reservado procurando unas cuantas razones más para los intervalos literales de este parlamento. Algo que pueda incluso correr el riesgo de equiparación forzada y que diga más o menos así: “Los grabados de Belkis Ayón pudieran interpretarse a partir de la máxima del critico Northrop Frye, en la que asegura que el arte es “un laboratorio donde se preparaban, en libertad nuevos mitos de compromiso.” La selección fabular ocurre en su caso por la vía de la identificación visual y épica, mediada casi en su totalidad por una racionalidad estética profundamente femenina –que al parecer no quiere decir lo mismo que feminista, aunque se trate del abordaje de un mito profundamente machista- Diríamos que su obra asume una historia en la que se representa un juicio de valor inequívoco, desde el punto de vista de la naturaleza sexual de quien lo protagoniza y trasmite, aunque ese juicio dispone o alude fenómenos de la cosmogonia como el bien y el mal, la traición y el sacrificio y la confrontación entre víctimas y victimarios, y es justamente entre esos límites del caos donde ella incurre, restituyendo patrones de conducta e imponiendo protagonismos alternativos. Si por alegorías a las nociones de Frye se tratara, su “nuevo mito de compromiso”residiría en el hecho de contraponer un sentido de análisis crítico a la interpretación hermética del acontecimiento mitológico y también en el propósito adicional de extender esas mismas experiencias de colación hacia otras manifestaciones del vínculo interhumano. Final tenso breve y a todas luces bienaventurado, donde al especulador se le dispensa de su complejo de culpa: Belkis, una cosa es que yo crea en la conformidad de todas nuestras conversaciones irregulares o nuestras consideraciones sobre las artes plásticas , y otra que yo ande por ahí comentando de vindicaciones en el grabado cubano, apoyándome en la obra de 6 ó 7 artistas, entre los que pretendo incluirte por cierto, sin tan siquiera habértelo consultado antes. Por eso aprovecho ahora la oportunidad: ¿Estoy o no estoy en lo cierto? Creo que actualmente en el grabado cubano se están revitalizando conceptos y principios técnicos importantes. En mi caso particular te diría que me interesa muchísimo el nivel de credibilidad discursiva y estética que puedan alcanzar las matrices en su impresión final, y por ello trato de generar efectos de valor, incluso de color, experimentando con materiales novedosos. En otros grabadores jóvenes la tradición también se ha visto alterada desde muchos puntos de vista, fundamentalmente con la experimentación de nuevos soportes, con la flexibilización de los criterios sobre la serialidad con la dinamización, e incluso a veces impugnación o parodia, de los métodos técnicos habituales y en la propia consolidación de la ética del oficio…y si a todo ello se le puede llamar renovación, pues no me parece mal que alguien como tú lo siga comentando. artículo anterior regreso a textos

NKAME: RETROSPECTIVA DE LA GRABADORA CUBANA BELKIS AYÓN (1967-1999) Fowler Museum, UCLA, Los Angeles, California, Estados Unidos Octubre 1, 2016 - Febrero 17, 2017 La exposición itinerante Nkame: Retrospectiva de la grabadora cubana Belkis Ayón (1967-1999) quedó inaugurada el 1 de Octubre de 2016 en su primera sede en Estados Unidos, el Fowler Museum at UCLA. Un proyecto desarrollado por esta prestigiosa institución y el Estate de Belkis Ayón, La Habana, Cuba. La exposición está curada por Cristina Vives. Fotografías: José A. Figueroa ,Yadira Leyva Ayón y Cortesía del Fowler Museum Para más información, visite la página web del Fowler Museum Cobertura de Prensa http://southernworldartsnews.blogspot.fr/ http://www.latimes.com/entertainment/arts/la-ca-cm-belkis-ayon-20160912-snap-htmlstory.html http://artishockrevista.com/2016/11/05/primera-individual-eeuu-belkis-ayon-una-artista-prolifica-corta-vida/ https://www.artforum.com/picks/id=64969 http://www.cubanartnews.org/es/news/the-mysterious-world-of-belkis-ayon http://cubacounterpoints.com/archives/4280 http://www.artandantiquesmag.com/2016/11/belkis-ayon-art/ http://hyperallergic.com/346366/the-masterful-unsettling-work-of-a-female-cuban-printmaker/ http://artillerymag.com/fowler-museum-belkis-ayon/ http://hyperallergic.com/347988/best-of-2016-our-top-10-los-angeles-art-shows/ http://www.huffingtonpost.com/entry/belkis-ay%C3%B3n-artist_us_58682398e4b0d9a5945bb281 https://www.artslant.com/ew/articles/show/47166

EXPOSICIONES PERSONALES Couturier Gallery, Los Angeles, California, Estados Unidos Marzo 10, 1998 Desasosiego / Restlessness Leer más Iglesia de St. Barbara, Breining, Alemania Noviembre 7, 1995 Unterstütze mich, halte mich hoch, im Schmerz. Belkis Ayón / Sosténme en el dolor Leer más Galería de Arte Servando Cabrera Moreno Diciembre, 1988 Propuesta a los 20 años Leer más regresar a exposiciones personales

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